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"Es cómico que la gente diga que un museo es algo formal"

23/05/2009 01:00 0 Comentarios Lectura: ( palabras)

Maxwell L. Anderson, director del Museo de Indianápolis desde 2006, ha dedicado gran parte de su vida al mundo del arte. Tras estudiar Filosofía y Letras y Bellas Artes, trabajó como consultor en AEA en Nueva York y Londres, ha presidido la Asociación de Directores de Museos de Arte y dirigido instituciones de gran relevancia como el Whitney Museum of American Art de Nueva York, la galería de arte Toronto en Ontario y el Museo de la Universidad Michael C. Carlos de Emory, en Atlanta.

Hoyesarte.com entrevista a Anderson con motivo de su participación en la Cátedra del Museo del Prado, donde impartió la conferencia El museo y las nuevas tecnologías, un discurso transparente, brillante y, ante todo, realista que muestra una preocupación sincera y real por lo que el futuro depara a los museos y una enorme esperanza de innovación y adaptación, al relatar las posibles vías que tienen los museos para lograr sobrevivir a lo que el futuro nos depare.

Innovación y creatividad son dos de las palabras que mejor definen su labor al frente del Museo de Indianápolis. ¿Qué papel cree que tienen las nuevas tecnologías en los museos y en su relación con el público?

Creo que son el mejor medio que tenemos para crear una comunicación entre el museo y el público, para poder establecer un diálogo que no sea unidireccional y que permita a la gente ser parte del museo. Hoy en día, hay muy pocos aspectos de la vida que no estén vinculados a las nuevas tecnologías. En una visita a un museo, el público acaba teniendo un contacto directo con la obra muy limitado, se pasan mas tiempo comiendo, hablando, andando... mirar es solo una parte de eso, y las nuevas tecnologías nos dan una oportunidad para redireccionar la cantidad de tiempo que ellos pasan mirando otras cosas.

¿Cree usted que los museos están empezando a explotar el potencial de las nuevas tecnologías o aún queda mucho camino por recorrer?

Personalmente creo que los museos van muy despacio a la hora de adaptar y explotar las oportunidades que nos brindan las nuevas tecnologías. Otros tipos de museos, como los museos de ciencias, de historia, se están moviendo más rápido que los de arte porque en el fondo tienen menos miedo. Los museos temen que este encuentro con las nuevas tecnologías les haga perder su autenticidad. Sinceramente, creo que este miedo está fuera de lugar, no creo que se trate ni que se esté enfocando como un sustituto de la obra de arte, sino más bien como un aditivo, algo que puede aportar y enriquecer mucho a un museo y a su forma de enfrentarse al mundo de hoy en día. Creo que debemos romper esa barrera y superar ese miedo.

Aunque la innovación en este sentido es fundamental en su labor como director del Museo de Indianápolis, también ha mirado al pasado para recuperar ciertas tradiciones, como la entrada gratuita al museo o la creación de exposiciones y catálogos más serios y detallados. ¿Cree que es posible encontrar y mantener este equilibrio entre tradición e innovación?

Esta es una cuestión importante. Creo que en un museo resulta imprescindible encontrar un equilibrio entre tradición e innovación o de otra manera acabarás siendo menos relevante, porque habrá cosas más contemporáneas que se adapten más a lo que busca el público. Inevitablemente, la mayor parte del mundo es más moderno que los museos; después de todo, planeamos las exposiciones con tres o cuatro años de antelación, por lo que en realidad siempre estamos viviendo en el futuro. Creo que es esencial conseguir un equilibrio entre el respeto por lo que se ha hecho antes y el potencial de lo que puede venir a continuación. En realidad, son los artistas los que acceden a esas experiencias por nosotros, nuestra obligación es dar acceso a esas experiencias.

¿Qué diferencias encuentra entre los museos europeos y los americanos?

Bueno, creo que España, en este aspecto se puede considerar uno de los lugares más sofisticados del mundo, ya sea en su manera de tratar y privilegiar la cultura, como por su esfuerzo en establecer un diálogo público entre arte y visitantes. El proceso de sofisticación que se ha llevado a cabo en España no ha sido tan evidente en otros lugares del mundo. Siempre aprendo cuando vengo aquí, tanto por el nivel de calidad y la atención que se presta al detalle, como por la belleza del entorno que se puede llegar a crear. Creo que Europa se encuentra ante el mismo problema que EEUU, nuestros museos no están preparados para un mundo nuevo que está llegando, la población no hace más que aumentar y la multiculturalidad hace que debamos replantearnos muchas cosas y pensar qué tipo de público va a venir a nuestro museo y como podemos hacer para ofrecer aquello que va a demandar.

Cuando dirigió en Whitney Museum creó estrechos lazos con importantes universidades, desarrollando programas de posgrado y másters especializados como el que dirige Rosalind Krauss en Columbia. Viendo su interés por la educación y los esfuerzos que ha realizado, ¿qué siente al formar parte de la primera Cátedra del Museo del Prado?

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Es un gran honor ser parte de esta Cátedra, acompañando al resto de colegas de Philippe de Montebello, que forman parte de otros museos de más renombre que el Museo de Indianápolis. Creo que Philippe siempre me ha visto como una persona que sólo piensa sobre tecnología y ese es el único motivo por el que estoy aquí –bromea–. Pero creo que la Cátedra y la nueva configuración del Casón es realmente importante. Debemos tener en cuenta que los modelos a los que estamos mirando, como pueden ser el Getty Museum o el CASVA en la National Gallery, están en ciudades que han sido creadas en el último siglo y, en cambio, tener esta empresa en una ciudad de tanta antigüedad y tanta importancia, tanto arqueológicamente como por la arquitectura y la historia del arte, es un privilegio para gente que hace lo que hago yo, y para aquellos que aspiran a ser directores o conservadores. No se me ocurre una iniciativa más excitante que ésta.

Usted ha dicho en alguna ocasión que el Museo de Indianápolis es como una enciclopedia porque puedes encontrar de todo, desde pintura del renacimiento, hasta arte indio y diseño. Intuyo que es partidario de establecer diálogos entre las obras de arte de la antigüedad y aquellas más contemporáneas.

Siento que tenemos la obligación de acercar el arte del pasado a la gente joven, que no están necesariamente fascinados por las historias del antiguo testamento, o por retratos de personas que vivieron hace muchos años. Resulta importante encontrar el modo de crear esa conexión. Tampoco creo que necesariamente la gente joven sólo se preocupe por el arte del presente, es tan sólo una pequeña proporción, pero de todas fomas es importante que los museos logren conectar el arte del presente con la creatividad del pasado, aunque ese pasado sea solo hace seis meses. Construir puentes a través de los siglos es lo que deberíamos estar haciendo todos los que nos dedicamos a ésto. Tienen que establecerse conexiones entre las distintas escuelas de pintura, las distintas épocas y la creatividad, de otro modo solo estaríamos hablando con nosotros mismos, como profesionales de los museos.

El Museo de Indianápolis forma parte de Itunes, ArtBabble, Facebook, Youtube... ¿le parece que las nuevas tecnologías son el mejor modo de acercar el arte a la gente joven y hacer que se interesen por lo que los museos pueden ofrecerles?

Si, en nuestro caso intentamos estar muy atentos y preocupados a las posibilidades que tenemos de acercarnos no sólo a los visitantes a través de los nuevos medios, sino de hacer llegar estos nuevos medios a la gente, pero a la vez debemos ser conscientes de que muchos de estos nuevos medios que se están promoviendo ahora no van a permanecer, por eso debemos ser capaces de adaptar y de descartar métodos de comunicación y no asumir todo lo que se está alrededor, por eso miramos a tantas plataformas de comunicación distintas. En cuanto a la gente joven, si podemos atraer su interés por tener una página en Facebook, habremos logrado algo. Pero si lo único para lo que lo usamos es para promovernos, entonces no sirve para nada, resulta aburrido, es como ver un anuncio, o la televisión. Hay que plantearlo como una invitación a la gente joven a participar, comentar y poner sus propias experiencias en los museos; eso es lo que nosotros intentamos y eso es lo nuevo.

¿ Y este tipo de iniciativas se están produciendo en todos los museos americanos o es algo que tampoco está extendido?

No, es algo que está sucediendo sólo en unos pocos museos, el museo de Brooklyn de Nueva York por ejemplo es muy innovador, el MOMA en San Francisco, en Europa destacaría Tate Modern. Pero en realidad diría que la tendencia general de los museos es bastante conservadora en lo que abrirse al público se refiere. A nosotros no nos importa contarle a la gente lo que hacemos y, a su vez, estar abiertos a escuchar lo que ellos piensan o desean aportar, a mí me interesa mucho este diálogo.

Parece que los museos entienden las nuevas tecnologías como un medio de entretenimiento más que como una vía que les puede aportar y enriquecer mucho...

Bueno, la mayor parte de la vida, incluyendo la pintura, es un juego. Era un juego ser retratado por Rubens intentando parecer más importante que la princesa o la reina. Las grandes obras de arte han ido generalmente sobre jugar, intentar tener la mejor versión de un determinado motivo realizada por el mejor artista de un determinado momento; era como un reto, elegían a Tiziano antes que a otro artista porque tenía más prestigio y era más conocido. Sucede lo mismo con los museos, compiten por fama, privilegio, poder y prestigio, que es en gran parte de lo que trata la vida, pero es superficial y falso, lo bueno es que detrás de eso podemos encontrar grandes experiencias y grandes objetivos. Yo muchas veces me río al ver que la gente ve a los directores de los museos como gente importante. En realidad nuestra tarea gira en torno a cuatro ejes: conseguir mucho dinero, construimos edificios, compramos arte y hacemos exposiciones... y la gente piensa ¡que cosas más increíbles hace esta gente!, pero en realidad son los arquitectos los que construyen los edificios, son los artistas los que hacen las obras de arte que adquirimos, no las hacemos nosotros, el dinero que ayuda a organizar todo el museo no es nuestro, son donaciones y aportaciones de gente rica, y son las personas que prestan obras de arte las que hacen posibles las exposiciones, no los directores de los museos. Por lo tanto, si es eso lo que hago para vivir, no resulta tan impresionante. Miro todas estas cosas y me resulta cómico que la gente diga que un museo es algo formal, en realidad es un grupo de gente que está suministrando acceso al arte, eso es todo.

Philippe de Montebello habló en su ponencia de la posibilidad de crear un museo virtual que permita a todo el mundo ver obras de arte a las que de otra manera nunca tendrían acceso. ¿Le parece que ésto va a ser posible? Y si es así, ¿realmente le resulta interesante o cree que la importancia reside en el contacto directo con la obra de arte?

Hay 6.7 billones de personas en el mundo, no creo que quieras que todos vengan al Museo del Prado, no es posible, el edifico no aguantaría ni dos días, ni aún con la ampliación de Moneo. No todo el mundo puede ver todas las obras de arte. Por lo tanto, ¿qué se supone que debemos hacer?, tenemos que intentar que todo el mundo tenga acceso a las obras de arte, y los medios digitales son sin lugar a dudas una gran solución. Llegará un momento que no quede un solo hueco libre para las nuevas obras de arte, los hologramas pueden ser un exitoso método de poner cara al público aquellas obras que estén guardadas en los almacenes de los museos, o de permitir a personas que jamás podrán ver cierta pieza, ver esa obra de la forma más real posible.


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hoyesarte.com
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